Unser musikalisches Gedächtnis und Umberto Eco — Eda Zari

Wie antworten wir Umberto Eco, wenn er uns mit der Frage aufwühlt: „Was bewirkt musikalische Erinnerung in uns?“

„In der Musik hinterließ Gott den Menschen die Erinnerung an das verlorene Paradies.“ — Hildegard von Bingen

Es genügt, nur einige Klänge, Töne, zwei Takte einer Melodie zu hören — und schon finden wir uns auf einer Reise in die Saudade [1] unserer Vergangenheit wieder.

Aber warum ist es gerade die Musik, die unsere Erinnerungen so stark wiederbelebt?

2004 veröffentlichte Umberto Eco den Roman Die geheimnisvolle Flamme der Königin Loana. Es geht darin um einen Antiquariatsbuchhändler, der nach einem Schlaganfall sein Gedächtnis verloren hat.

Doch im Ticken des Gedächtnisses von Giambattista Bodoni — so heißt die Hauptfigur — gibt es einen erstaunlichen Haken.

Obwohl er literarisches Wissen mit unerklärlicher Präzision bewahrt — Gedichte, Verse, Buchtitel, deren Inhalte, Daten und Fakten —, erkennt er seine Frau und seine Töchter nicht mehr. Nichts aus seiner Kindheit kehrt zurück. Nicht einmal sein eigener Name fällt ihm ein.

Ebenso verlässt ihn die Erinnerung, wenn es um Gefühle und seelische Zustände geht: Moral, Empathie, Begeisterung oder Zögern.

In dieser Situation gelingt es seiner Frau — in dem Versuch, das Gedächtnis ihres Mannes wiederzubeleben —, ihn dazu zu bewegen, in seine Heimat zurückzukehren, in das Haus seines Großvaters, wo er als Kind die Sommerferien verbracht hatte.

Während seines Aufenthalts auf der Finca [2], zwischen den Hügeln von Turin und Mailand, versucht Bodoni, sich seiner selbst wieder bewusst zu werden, indem er nach jeder Spur sucht, die ihn mit all den Dingen verbindet, an die er sich beim besten Willen nicht mehr erinnern kann: Schularbeiten, Jugendtagebücher, Zeichnungen, Comics [3], Skizzen, die faschistische Parteihymne Giovinezza — die in der Schule bei der morgendlichen Flaggenzeremonie gesungen wurde und in ihrer ursprünglichen Fassung den Ruf „Ehre dem Duce“ enthielt — und so weiter.

Apropos Listen ...

Die Architektur der Listen ist eine von Umberto Ecos Spezialitäten — und meine Bewunderung für seine endlosen Aufzählungen ist kein Geheimnis. In diesem Roman widmet er ein ganzes Kapitel den musikalischen Gegenständen und dem Ort, an dem sich das Gedächtnis wieder zusammensetzen soll.

Der Ort — Eco lässt seine allegorische Denkweise nie los — ist ein geräumiger Dachboden, in dem unzählige Dinge aus Kindheit und früher Jugend aufbewahrt sind, einschließlich der letzten beiden Jahre des Zweiten Weltkriegs.

Unter dem Dach findet Bodoni Radiokataloge, Radios, Geräte, Künstlerplakate und sogar die bekanntesten Aufnahmen der letzten Kriegsjahre und der frühen Nachkriegszeit — die Lieblingsmusik seines Großvaters, die beide abends gemeinsam gehört hatten.

Es ist der Augenblick, in dem Bodoni Glenn Millers Moonlight Serenade wiederfindet, jene Musik, die das Dröhnen amerikanischer Panzer in Norditalien begleitet hatte; Alben mit faschistischen Liedern; das Partisanenlied Bella Ciao; As Time Goes By — ein Lied, das selbst Menschen ohne besonderes musikalisches Gehör sofort an Ingrid Bergman und Humphrey Bogart in Casablanca erinnert — oder den Foxtrott [4] Mille lire al mese.

Natürlich wird es zwischen all diesen Dingen auch Zeitschriften und pikante Literatur jener Zeit gegeben haben. Doch das ist hier weniger interessant, denn die L’Éducation sentimentale [5] des Jungen von damals und seiner ganzen Generation entwickelte sich auf der Grundlage katholischer Erziehung und eines ausgeprägten Schuldgefühls.

Ecos Held — ein autobiografisches Double, das ich selbst „Eco-Bodoni“ getauft habe — muss sein Gedächtnis verlieren, um die Welt einer kostbaren Zeit wiederzuentdecken: die erste Liebe, die Musik der Kindheit und nicht zuletzt die feine Meditation über das menschliche Bewusstsein.

Innerhalb von Bodonis beschädigtem Erinnerungsvermögen und seiner beinahe archäologischen Suche schafft Eco zugleich eine Fülle an Überraschungen und Vergnügen: durch die Beschreibung der Musik und der Grammophonplatten — Alben, auf denen die Namen legendärer Labels glänzen: Odeon, Columbia, RCA Victor, Parlophon, Decca, Disco Grammofono und andere.

Persönlich würde ich das Buch als Liebesbrief an die biografische Literatur lesen oder als kultur- und musikgeschichtliche Ausgrabung der 1940er Jahre.

Wenn ich jedoch an das Kapitel mit den endlosen Listen denke — Namen von Künstlern, Liedern und Musik —, reizt mich die Idee, auch ein persönliches Fragment meines Musikgedächtnisses zusammenzustellen, um der Unruhe, aber auch der berauschenden Wirkung von Ecos Frage näherzukommen und der inneren Hitze, die dieses Thema selbst trägt.

Mein Herz sagt mir, dass musikalisches Gedächtnis eine großzügige Institution ist — eine Gastgeberin, die nicht aufhört einzuschenken.

Mit dem Alter scheint sie sogar immer freigebiger zu werden.

Für viele Menschen reichen musikalische Erinnerungen tiefer als die Spuren von Büchern, Filmen oder Fotografien.

Wörter und Fotografien bezeichnen etwas außerhalb ihrer selbst.

Töne dagegen zeigen sich selbst — als Klang.

Erinnerte Töne sind abstrakt wie Träume, unberührbar, und doch von ungeheurer Intensität.

Darum nehmen sie in uns Gestalt an und erscheinen zugleich lebendig vor dem inneren Auge.

Jeder, der Anfang der 1980er Jahre die Regeln der albanischen Partei der Arbeit „brach“ und heimlich jugoslawisches Fernsehen schaute — unter anderem die Sendung Crtani film [6], mit all den wohlbekannten Tricks jener Zeit —, konnte kaum vermeiden, den Pink Panther [7] zu sehen und seine Instrumentalmusik zu hören: eine Art „Detektiv-Jazz“, gespielt auf dem Tenorsaxofon.

„Padum — Padum ...!“

Aus einer Wolke voller Sternenstaub erschien der aristokratische Panther mit langem Zigarettenhalter, aus dem stilisierter Rauch aufstieg.

Natürlich lieferte unser schwarz-weißer Fernseher „Iliria“ das Bild gewissermaßen auf Kredit, sodass sogar die Fernsehzeitschrift elitär wirkte — fast wie Hannah Arendts Fernsehgespräch mit Günter Gaus von 1964.

Damals wusste ich nicht, wer Henry Mancini oder Plas Johnson [8] waren.

Aber ich kannte Roza, eine griechischsprachige Nachbarin, Doktorin der exakten Wissenschaften, die eine Etage über mir wohnte.

Für mich, die Zwölfjährige, war Roza die schönste Frau des Viertels 21 Dhjetori in Tirana.

Ihre Lippen waren voll und rosig wie ihr Name; ihre Haut hatte die Farbe von Weizen; ihre Beine in hohen Absätzen waren ein Gedicht von Sappho; ihr Haar fiel wie schwarzer Atlas, in zwei Hälften über der Brust geteilt.

Wenn sie jemanden begrüßte, kamen die Worte nicht aus Trägheit langsam aus ihrem Mund — sie sprach von Natur aus in „Slow Motion“.

Sie erinnerte mich an den Frauentypus, den Tschechow in Die Dame mit dem Hündchen beschreibt.

Der Pink Panther hatte natürlich nichts mit Roza zu tun. Doch jedes Mal, wenn ich dieser Frau begegnete, bereitete ihre Art zu gehen in meinem inneren Ohr die alarmierendste TTS — Tritonus-Substitution [9] — vor.

Das Thema des Pink Panther passte perfekt zu ihrem Schritt, wie eigens für sie zugeschnitten.

Noch heute erscheint Roza sofort vor mir, sobald ich den Pink Panther höre — die anmutigsten Absätze mit akademischem Titel, die je die Treppen unseres Hauses gekannt haben; das Frauenbild meiner Mädchenjahre.

Viele Ereignisse, Orte, Menschen und Empfindungen meiner Kindheit und eines Teils meiner Jugend sind in meiner Erinnerung von der Musik Ennio Morricones und Henry Mancinis begleitet.

Mancini und sein Repertoire gehören in das Pantheon jener Komponisten, die sich durch ein funkelndes musikalisches Vokabular auszeichnen: vom Swing und Jazz bis hin zur Filmmusik.

Ich denke an berühmte Filmsoundtracks und Jazzstandards wie Feelings oder Love Story — Lieder, die in der Taverne des Hotel Dajti gespielt wurden, wo mein Onkel Gitarrist der Band war.

Dieselben Lieder hörte ich — neben den Pogonishte-Tänzen — bei den Festabenden am 28. und 29. November im SHQUP [10], zu denen wir wegen der Verdienste meines Vaters eingeladen waren: Er war ein ausgezeichneter Panzerfahrer und Fahrer eines Bergefahrzeugs, obwohl er zum Unteroffizier degradiert worden war.

Oder Moon River — dieses Stück wurde häufig gespielt und einfach als Walzer gerechtfertigt.

Nicht zufällig wähle ich Mancinis Musik als Beispiel.

Ich würde sie niemals herabsetzen, indem ich sie „Erinnerungsmusik“ taufe.

Sein Repertoire zieht mich nur gerade besonders an.

Ich möchte betonen, dass Gedächtnis nicht notwendigerweise in der Rekonstruktion der Vergangenheit besteht.

Es wird erst lebendig, wenn es eine Beziehung zur Gegenwart herstellt, und alles hängt davon ab, wie wir unsere Erinnerung verjüngen — besonders aus dem Blickwinkel eines Musikers.

Friedrich Nietzsche hält sich nicht zurück, als er 1872 — beeinflusst von Eduard Hanslicks [11] Buch Vom Musikalisch-Schönen, einem Beitrag zur musikalischen Ästhetik und zur Tonkunst — Wagners Musik kritisiert, in der Elemente romantischer Erinnerung eine Rolle spielten.

Nach Hanslick und Nietzsche war diese Erinnerung jedoch so schlecht restauriert, dass sie nicht einmal als Parodie taugte:

„Was von der Musik übrig bleibt, ist Unbehagen oder musikalische Erinnerung — ansonsten ist Musik nur noch Reizmittel für abgestumpfte und ermüdete Nerven oder bloße Tonmalerei.“

Der Philosoph konnte damals nicht ahnen, dass die bekanntesten musikalischen Werke seines rund fünfzigjährigen Lebens — selbstverständlich auch die großen „Hits“ der klassischen Musik — unser Gedächtnis später endlos färben würden, indem sie durch digitale Netzwerke zirkulieren.

Dennoch hat Nietzsche in Bezug auf das Verhältnis zwischen musikalischer Erinnerung und Ästhetik recht.

Musik kann als eine Art systematische Konstruktion funktionieren, die uns an die Vergangenheit erinnert — auch wenn sie ästhetisch manchmal wie eine standardisierte Überlagerung emotionaler Bilder wirkt — und uns entweder mit sentimentalem Rum berauscht oder neue ästhetische Atemnot verursacht.

Ich beobachte jedoch, dass musikalisches Gedächtnis traditionelle Musik stärker aufnimmt als klassische Musik — oder nennen wir sie: anspruchsvollere Musik.

Dafür gibt es einen Grund, den man vielleicht vorsichtig formulieren muss, der aber für die Betrachtung musikalischer Erinnerung wichtig ist.

Folklore ist eine Mischung aller Stile, die einander annähern und miteinander verschmelzen: Jazz aus Clubs, bukolische Flöten, Salonvioline, Mozart-Cembalo, Madrigale der Renaissance, Kriegstrommeln und Wiegenlieder.

All das wird zu einem einzigen Reichtum lebendiger Erinnerung.

Anders gesagt:

Traditionelle Musik ist das Versprechen des musikalischen Gedächtnisses an ein breites Publikum.

In meinem Verhältnis zur musikalischen Erinnerung neige ich als Künstlerin dazu und versuche, jenseits von Nostalgie und Melancholie eine ästhetisch-kommunikative Erfahrung zwischen der Vergangenheit meines musikalischen Gedächtnisses und der Gegenwart zu gewinnen.

Es wäre banal, wenn unser kulturell-musikalisches Gedächtnis durch handwerkliche Nachlässigkeit und tonästhetische Oberflächlichkeit getrübt würde.

Wie es der Brauch will, kehrt man am Ende zum Anfang zurück.

Eco starb im Februar 2016.

Zwei seiner Freunde, der Akkordeonist Gianni Coscia — mit dem Eco in Piemont zur Schule gegangen war — und der Klarinettist Gianluigi Trovesi, veröffentlichten ein Album, das nicht bloß eine Ausgrabung zur Rückgewinnung eines verlorenen Kindheitsfreundes ist.

Ihre Stücke bilden vielmehr einen musikalischen Anhang zu Ecos Roman Die geheimnisvolle Flamme der Königin Loana.

Das Album erschien im Juni 2019 bei ECM Records.

Und um das Thema mit einem goldenen Deckel zu schließen, zitiere ich Umberto noch einmal:

„Es gibt keine Erinnerung, wenn es nicht zugleich Vergessen gibt.“

Düsseldorf, 27.06.2020 Veröffentlicht bei Peizazhe të Fjalës am 27.06.2020

© 2020 Eda Zari. Alle Rechte vorbehalten.

Anmerkungen

[1] Das galicisch-portugiesische Konzept der Saudade lässt sich annähernd als sehnsuchtsvolle Traurigkeit, Melancholie oder als Wunsch übersetzen, in eine glückliche — häufig geliebte — Vergangenheit zurückzuwandern.

[2] Eine Finca bezeichnet ein Landhaus auf einem landwirtschaftlichen oder ländlichen Anwesen, meist umgeben von Grundstück, häufig mit Pool, Obstplantagen, Landwirtschaft und angrenzenden Hügeln — gewöhnlich außerhalb der Stadt.

[3] Comics bezeichnen eine Abfolge von Bildern oder grafischen Feldern. In der Regel werden Comicfiguren mit Text in Sprechblasen und lautmalerischen Formen wie „bam“ oder „boom“ kombiniert. Ich halte es nicht für abwegig zu sagen, dass diese Literatur Eco zur Semiotik geführt hat.

[4] Der Foxtrott ist ein romantischer Paartanz, der gleitende Bewegungen mit sogenannten Feather Steps verbindet. Er wurde in den Ballsälen der 1920er Jahre getanzt und häufig von Big Bands im 4/4-Takt mit ungefähr 120 bis 136 Schlägen pro Minute gespielt.

[5] L’Éducation sentimentale — Die Erziehung der Gefühle — ist Gustave Flauberts viel diskutierter Roman von 1869 über emotionale Bildung und die Enttäuschung einer ganzen Generation.

[6] Zeichentrickfilme und Animationssendungen mit viel Musik, Geräusch und Sprache, häufig auf lautmalerischen Effekten aufgebaut.

[7] Die Zeichentrickfigur Pink Panther wurde von Friz Freleng — der auch mit Looney-Tunes-Figuren wie Bugs Bunny, Speedy Gonzales und Tweety Bird verbunden ist — und David DePatie geschaffen.

[8] Plas Johnson ist ein amerikanischer Saxofonist und Multiinstrumentalist für Blasinstrumente, darunter Tenor- und Baritonsaxofon, Klarinette und mehrere Flöten. Neben seiner legendären Interpretation des Pink-Panther-Themas ist er in Jazz-Soul- und Hard-Bop-Kreisen für seine instrumentalen Beiträge bekannt.

[9] Die Tritonus-Substitution — ein schwieriger Begriff, der leichter zu verstehen ist, als er klingt — bietet zahlreiche Möglichkeiten des tonalen „emotionalen Designs“ innerhalb einer Phrase oder Melodie, indem sie die harmonischen Möglichkeiten standardisierter Kadenzen erweitert. Zum Beispiel kann ein G7♭5-Akkord durch C♯7♭5 ersetzt werden.

[10] Im Tirana der 1930er Jahre existierte das Haus der Offiziere — später in den 1970er–1990er Jahren Sitz des Schriftsteller- und Künstlerverbands und später zeitweise vom Kulturministerium genutzt. Für das Militär wurde anschließend etwas „Repräsentativeres“ errichtet: SHQUP, das Zentrale Haus der Volksarmee, später Sitz der Demokratischen Partei.

[11] Eduard Hanslick war 1854 einer der Pioniere der grundlegenden Neubetrachtung von Ästhetik und musikalischer Kunst. Er gilt nicht nur als einer der schärfsten Kunstkritiker seiner Zeit; bis heute ist er als Ästhetiker bekannt, der es wagte, Richard Wagner zu kritisieren — worauf Wagner unter anderem über die Figur Beckmesser in Die Meistersinger reagierte —, und als jemand, der Reformen in deutschen Theater- und Opernakademien anstieß. Seine Schriften gehören bis heute zum Kanon musikalischer Ästhetik. Außerdem besitzt Hanslick meine besondere Sympathie, weil er die Musik von Johannes Brahms bevorzugte und Anton Bruckners Werk, besonders dessen Symphonien, ablehnte.