Die Bossa Nova ist schuld: Eine leise Stimme für eine laute Welt.

Wenn er mir früher in der Küche um die Beine lief, während ich die Cantaloupe-Melone schnitt, die er so liebte, legte ich im Hintergrund Bossa-Nova-Platten auf.

So bekamen die Sommernachmittage in Düsseldorf für mich den Duft des Meeres und den Duft sonnenwarmen, viel betretenen Sandes, getaucht in das lachsfarbene Leuchten des Sonnenuntergangs.

Wenn mein Sohn Musik hörte, tanzte er nicht intuitiv so, wie kleine Kinder es oft tun.

Er war damals fünf und gab rhythmische Figuren und Melodien stattdessen in kleinen lautmalerischen Fragmenten wieder.

Solche Augenblicke berauschten die junge Mutter, die ich damals war.

Gestern hatten wir wieder einen unserer Sommerabende wie damals — mein Sohn Henning, inzwischen ein erwachsener Mann, und ich.

Für unsere Duettprobe trafen wir uns draußen, nahe am Rhein im japanisch geprägten Teil von Niederkassel.

„Die Bossa Nova ist schuld“, sagte er und ließ ein zufriedenes „Mhh“ hören, während er sich vergnügt ins sonnenverbrannte Gras setzte.

Verblüfft fragte ich ihn, ob er etwa das deutsche Schlagerlied [1] gleichen Titels aus den 1960er Jahren meinte.

Das wäre für ihn ziemlich untypisch gewesen — sich ausgerechnet einer Musik zu widmen, die er damals, besonders brasilianische Musik, nie besonders ernst genommen hatte.

Nein, sagte er.

Seit meiner Einladung, Teil der Brasilien-Tournee zu sein, habe er seine Aufmerksamkeit wieder ganz der Bossa Nova zugewandt.

„Ma — Bossa Nova macht meine Stimmung weit. Sie riecht nach Cantaloupe, erinnert mich stark an unsere Küche, als ich klein war, trifft mich ganz sanft und macht etwas mit meinem Instrument.“

Mit diesen Worten begann er, das Lied zu demonstrieren, das er bei unserem Konzert am 14. Juli in Fortim, Ceará, Brasilien singen würde.

Er erinnerte mich an mich selbst, als ich in meinen Zwanzigern zum ersten Mal Alben von João Gilberto und Antônio Carlos Jobim kaufte.

Für Leserinnen und Leser, die mit der Welt der Bossa Nova weniger vertraut sind:

João Gilberto gilt als die Seele der Bossa Nova und als jener Künstler, der Ende der 1950er Jahre die brasilianische Musik in Rio de Janeiro revolutionieren half.

Als Sänger und Gitarrist schrieb er selbst nur wenige Lieder, doch seine Interpretationen schufen eine unvergleichliche Atmosphäre.

Bossa Nova erschien mir immer zugleich einhüllend und sanft, melancholisch und heiter, poetisch und perkussiv.

Darum ist Bossa Nova für mich nicht nur musikalisch, sondern auch anthropologisch brasilianische Dialektik in ihrer lebendigsten Gestalt.

In der Bossa Nova begegnen inspirierte Melodien dissonanten Harmonien.

Sichtbare Gegensätze lösen sich auf und verbinden sich zu einem unverwechselbaren Stil, der einen tief in die brasilianische Seele blicken lässt.

Ich weiß nicht, warum mir beim Schreiben plötzlich die Sehnsucht im Klang von N’penxheren e zotëris’sate wie die Sehnsucht in Gilbertos Liedern erscheint — eine Sehnsucht, die einen von innen auflösen kann.

Ich meine jene Sehnsucht, vielleicht jene Schönheit, die alles verschlingt.

Die Akkorde, die Gilberto auf der Gitarre fand, sind ätherisch.

Dann seine Art des sotto voce [2], diese berauschende Vokalform, die an die verschleierte Sensibilität von con sordino [3] in den Saiten einlädt:

Sie zeigt, dass er seine Stimme nie frontal auf den Hörer schleuderte und nie ihr ganzes Volumen einsetzte.

Diese Art zu singen prägt seine Persönlichkeit und gibt dem Lied eine erzählerische Leichtigkeit, berührt von con dolore [4].

„Ich möchte, dass du etwas hörst, von dem ich hoffe, dass es dir gefällt, Ma. Ich werde es in Fortim singen“, sagt mein Sohn, während er die Gitarre stimmt und beinahe die Anmut des Orpheus annimmt, der im Film Orfeu Negro [5] neben Eurydike sitzt — nur dass ich seine Mutter bin.

Und es fühlte sich wie ein déjà-écouté an.

Als er mich früher einmal auf diese Weise zum Zuhören bat, war er erst vierzehn. Er spielte auf der Gitarre das Motiv von Qaj Maro, das er auf meinem Album Statement gehört hatte.

Aos Pés da Santa Cruz [6], gesungen von João Gilberto, stammt aus der kompositorischen Werkstatt von Marino Pinto und José Gonçalves und wurde ursprünglich von Orlando Silva gesungen.

Henning hatte erst seit kurzer Zeit gelernt, auf Portugiesisch zu singen — einer Sprache, die seiner Stimme wunderschön steht.

„Der Rhythmus selbst mit all seinen Synkopen ist wie eine eigene Sprache. Wenn er sich mit dem brasilianischen Portugiesisch verbindet, entkommt man der Schlinge des Verliebens nicht mehr“, sagt er und hält das Plektrum im Mundwinkel.

Durch den Wechsel zwischen Instrument und Stimme und wieder zurück erklärte mir Henning noch einmal, dass Musik als Symbol viel stärker mit der Möglichkeit des Erlebens, Erinnerns und tieferen Fühlens zu tun hat als mit der Notwendigkeit, eine konkrete neue Erfahrung zu formulieren.

Die Bewegung zwischen Stimme und Instrument wird zugleich zu zwei Erzählformen, die einander mit Struktur und emotionaler Qualität lebendig halten.

Mich begeistert, wie er das Wort in den Klang einer träumerischen, sehnsüchtigen, süßen, manchmal fragilen und beinahe zarten Stimme hüllt — mit der Klarheit der Bossa-Nova-Tradition und einer bescheidenen Verbeugung vor Gilbertos vokaler Zurückhaltung.

Aus Gründen, die weniger mütterlich als professionell sind, möchte ich verstehen, wie er Melancholie vorstellt, indem er in den Klang einer Sprache, in Poesie und in die perkussive Wurzel der Kultur eines Landes eintritt, in dem er körperlich nie gewesen ist — geistig aber sehr wohl.

Die Herausforderung besteht darin, Raum für „less is more“ freizuhalten — ein Handwerk, das das Lied verlangt und das keineswegs leicht ist.

Und offenbar sagt ihm seine Liebe zu Gilbertos Kunst, dass er sich nicht mit der mythischen Haltung mancher Jazzmusiker zufriedengeben will, die meinen, Jazz müsse nur wie Miles Davis klingen.

Diese minimalistische Form braucht keine Orchestrierung, keine Streicher, keine Effekte.

Nur eine unverstellte Stimme und seine Gitarre.

Und die Freude dauert an.

Während er sang, nahm ich ihn beinahe gedankenlos mit dem iPhone auf — dankbar für die Spontaneität, die Technik möglich macht und für den Grund, weshalb die Wiederholungstaste für solche Aufnahmen erfunden wurde.

Darum füge ich hier eine Version von Aos Pés... bei, gesungen und auf der Gitarre gespielt von Henning Jung.

Nach jener Aufnahme, die Bossa Nova in bestmöglicher Weise weltweit bekannt machte — ich denke an das Album Getz/Gilberto —, begannen viele Jazzmusiker, frühe Bossa-Nova-Kompositionen zu verwenden und sie häufig vom 2/4- in einen 4/4-Charakter zu übertragen.

Ihr Verhältnis zur Bossa Nova führte zu modernen hybriden Formen, so wie auch heutige Remixer dieses Genres weiterarbeiten.

Die „neue Welle“ — Bossa Nova — spült bis heute durch die ganze Welt.

Auf Flughäfen und Kreuzfahrtschiffen, in Bars und Aufzügen, Wartezimmern und Stadien ist Bossa Nova überall zu hören.

Und das Genre bleibt aktuell, dank Künstlerinnen und Künstlern — nach meinem persönlichen Geschmack — wie Tom Misch, Yussef Dayes, Melody Gardot, Rita Payés, Linda Rukaj und, warum nicht, Henning Jung.

Foto: Eda Zari

Bei persönlichen Erzählungen, besonders aus der Perspektive der Mutter, halte ich strenge Diät, wenn es um ihre Veröffentlichung geht.

Gleichzeitig frage ich mich:

Warum sollte ich glauben, dass solche inspirierenden Erfahrungen zwischen Mutter und Sohn, mit der Musik als gemeinsamem Kompass, es nicht verdienen, erzählt zu werden?

Vielleicht sind es die kleinen, kostbaren, ungewöhnlichen und leisen Dinge — gemeinsame Geschmäcker —, die Menschen einladen, gemeinsam die vergessene Zärtlichkeit in einer lauten Welt zu genießen.

Vielleicht bringen uns die Klänge der Bossa Nova eine Sehnsucht nach jener Zeit zurück, in der wir mit dem Göttlichen in uns selbst etwas ausgetauscht haben — etwas, das wir verloren haben.

Schließlich ist Sommer.

Und so scheint mir der passende Wunsch im Kontext zu sein:

Möge das Guilty Pleasure der Bossa Nova uns nahe bleiben — wie ein flüchtiger Augenblick des Glücks.

Eda Zari 24.06.2022, Düsseldorf

Alle Rechte vorbehalten.

Anmerkungen

[1] Schlager bezeichnet eine bestimmte Form populärer Musik aus dem deutschsprachigen Raum. Schlager werden meist auf Deutsch gesungen und dienen der Unterhaltung. Texte und Melodien sind häufig einfach und stark sentimental, geprägt vom jeweiligen Zeitgeist.

[2] Sotto voce: „unter der Stimme“ — leise, gedämpft oder beinahe geflüstert.

[3] Con sordino: musikalische Anweisung, einen Dämpfer einzusetzen. Bei verschiedenen Instrumenten wird damit der Klang weicher oder ästhetisch verschleiert.

[4] Con dolore: musikalische Ausdrucksbezeichnung für einen schmerzlichen, leidvollen Charakter.

[5] Orfeu Negro — Black Orpheus — ist ein Film von 1959, der den antiken Mythos von Orpheus und Eurydike in den Karneval von Rio de Janeiro verlegt. Besonders bedeutend ist seine Musik von Antônio Carlos Jobim und Luiz Bonfá. Der Film machte Stücke bekannt, die später zu Bossa-Nova-Klassikern wurden, darunter A Felicidade und Manhã de Carnaval, neben traditionellen Rhythmen und Samba.

[6] Aos Pés da Santa Cruz, ein Samba von 1942 von Marino Pinto und José Gonçalves, bedeutet „Zu Füßen des Heiligen Kreuzes“. Der Text erzählt von einem im Namen Jesu geschworenen großen Liebesversprechen, das später gebrochen wird — eine kleine Reflexion darüber, dass das Herz Gründe und Versprechen kennt, die die Vernunft selbst nicht versteht.